К 210-летию со дня рождения М.И. Глинки. Основоположник русской музыкальной классики
Чтобы оценить значение творчества М.И. Глинки, надо представить уровень музыкальной культуры России начала XIX века. Становление русской композиторской школы – это последняя треть XVIII века, когда появляются первые национальные оперы, произведения для фортепиано, скрипки; это период освоения музыкальных жанров, которые в Европе к тому времени достигли высокого уровня развития. На сценах Европы идут оперы Глюка, Моцарта, исполняются симфонии, сонаты, квартеты, оратории, кантаты, увертюры Гайдна, Моцарта, Бетховена. Словом, создано много выдающихся произведений, которые впоследствии составят классику мировой музыки. Русским композиторам ещё предстоит пройти путь освоения этих жанров светской музыки. Первыми среди них будут М.Соколовский, В.Пашкевич, Е.Фомин, Д.Бортнянский, И.Хандошкин, С.Давыдов. Лучшей оперой назовут «Аскольдову могилу» А.Верстовского. Однако черты русского национального стиля, пожалуй, ярче всего выразятся в русском бытовом романсе. Характерные для романса сюжеты и образы, мелодические обороты и интонации, мечтательность, задушевность – всё это ярко проявляется в произведениях А.Алябьева, А.Варламова, А.Гурилёва, А.Верстовского.
Но не было ещё в творчестве этих композиторов того, что можно было бы назвать «русской музыкальной классикой»; того, что соединило бы, с одной стороны, глубокое раскрытие русского характера, русского быта, истории, народного творчества, а с другой – мастерское, профессиональное владение европейскими музыкальными жанрами, формами, оркестровкой, гармонией. Всё это произойдёт в творчестве Глинки, которого по праву считают основоположником русской музыкальной классики. Именно он создал первые классические (совершенные) образцы русской оперы, симфонической музыки, романса, сумел органично соединить достижения европейской музыки с истинно русским содержанием – страницами народной истории, сказками, изображением русской природы, быта, а главное – раскрыть характер русского человека. В произведениях Глинки естественно слились интонации народных песен со сложными симфоническими, полифоническими приёмами европейской музыки. Слушая его оперы, симфонические увертюры, мы слышим русскую музыку.
Творчество М.И. Глинки связано с общественным подъёмом России, с событиями 1812 и 1825 годов. Главными темами композитора становятся защита Отечества, воспевание духовной красоты русского народа, его благородства, патриотизма, воспевание его таланта через обращение к народной культуре. В музыке Глинки звучат искренность и задушевность, строгость и величавость, жизненный оптимизм, мудрость и благородство. Его произведения отличаются стройностью и совершенством формы, высоким мастерством композиторской техники.
Наследие композитора невелико: две оперы, несколько симфонических увертюр, романсы, инструментальные ансамбли. Но значение его творчества для будущего развития русской музыки огромно. В операх, симфонических увертюрах, романсах Глинки открываются пути, по которым пойдёт всё дальнейшее развитие русской музыки. На достижения первого русского классика будут опираться последующие поколения композиторов.
Портрет М. Глинки. Литография П. Ф. Бореля
Несколько страниц из жизни Глинки
Вот что пишет сам композитор в своих автобиографических «Записках»:
«Я родился 1804 года, мая 20 (по новому стилю 1 июня) утром, на заре, в селе Новоспасском, принадлежавшем родителю моему, капитану в отставке Ивану Николаевичу Глинке. Имение это находится в 20 вёрстах от города Ельни Смоленской губернии; оно расположено по реке Десне (близ её истока) и в недальном расстоянии окружено непроходимыми лесами, сливающимися с знаменитыми Брянскими лесами».
Воспитывала мальчика бабушка Фёкла Александровна (мать отца). Он рос болезненным и изнеженным ребёнком.
«Бабушка меня баловала до невероятной степени, – мне ни в чём не было отказа; несмотря на это, я был ребёнком кротким и добронравным и, только когда тревожили меня во время занятий, становился недотрогою (мимозою), что отчасти сохранилось и доныне. Одним из любимых моих занятий было ползать по полу, рисуя мелом деревья и церкви. Я был весьма набожен, и обряды богослужения, в особенности в дни торжественных праздников, наполняли душу мою живейшим поэтическим восторгом. Выучась читать чрезвычайно рано, я нередко приводил в умиление мою бабку и её сверстниц чтением священных книг. Музыкальная способность выражалась в это время страстию к колокольному звону (трезвону): я жадно вслушивался в эти резкие звуки и умел на двух медных тазах ловко подражать звонарям. В случае болезни приносили малые колокола в комнаты для моей забавы».
Мальчик занимался с француженкой Розой Ивановной, с архитектором, который учил его рисовать. Кроме того, дальний родственник, «бодрый и приятного нрава старичок», рассказывал ему о далёких краях и людях, живущих там. Миша с жадностью слушал рассказы о странствиях и путешествиях. Книги, которые ему дарили, описания островов Индийского архипелага – Цейлона, Суматры, Явы – будили его воображение, послужили основанием страсти к географии и путешествиям.
До восьми лет мальчика не обучали музыке. Но вот произошло то, что изменило его привязанности и детские интересы. Случилось это, как вспоминает сам Глинка, в 1814 или в 1815 году. По случаю семейного праздника приехали крепостные музыканты дяди (брата матери Глинки). В «Записках» читаем:
«…музыка произвела на меня непостижимое, новое и восхитительное впечатление. Я оставался целый день потом в каком-то лихорадочном состоянии, был погружён в неизъяснимое, томительно-сладкое состояние и на другой день во время урока рисования был рассеян… Догадавшись, в чём дело И. К. (учитель), сказал мне однажды… что я всё только думаю о музыке. «Что же делать? – отвечал я, – музыка – душа моя».
Потом, когда приезжали музыканты, мальчик брал в руки скрипку или маленькую флейту и пытался подыгрывать им. Во время ужина оркестр обычно играл русские народные песни, переложенные для двух флейт, двух кларнетов, двух валторн и двух фаготов. Может быть, эти песни, слышанные в ребячестве, по свидетельству самого композитора, были первой причиной того, что впоследствии он стал разрабатывать преимущественно народную русскую музыку.
Во время войны 1812 года, спасаясь от французов, семья уезжает в глубь России. Только с одиннадцати лет мальчик начинает заниматься на фортепиано и скрипке; одновременно изучает литературу, языки, историю, географию.
Новый период в жизни Михаила Глинки – 1817 год, когда его, тринадцатилетнего подростка, привозят в Петербург и определяют в Благородный пансион – учебное заведение для дворянских детей. Личным воспитателем становится друг Александра Сергеевича Пушкина Вильгельм Кюхельбекер, любимыми предметами – изучение языков (латинский, французский, немецкий, английский, персидский), география и зоология. Успешно занимается Глинка арифметикой, алгеброй, геометрией. В Петербурге начинаются и серьёзные занятия музыкой. К сожалению, только три урока дал Глинке знаменитый в то время композитор и пианист Джон Филд. После его отъезда будущий композитор занимается с его учеником, другими педагогами, учится играть на скрипке. И теперь уже, когда случается бывать у родителей, играет в оркестре дяди довольно сложные партии. Вспоминая этот период своей жизни, Глинка отмечал:
«Во время пребывания в пансионе, и даже вскоре по приезде в Петербург, родители, родственники и их знакомые возили меня в театр; оперы и балеты приводили меня в неописанный восторг».
Учится Глинка в пансионе успешно и получает на экзаменах похвальные листы. Тем не менее о своей учёбе в старших классах пишет с некоторым сожалением:
«Математику я разлюбил, когда дошёл до аналитики; уголовное и римское право мне вовсе не нравилось. В танцах я был плох, равно как и в фехтовании».
1822 год. Глинке 18 лет; он заканчивает пансион и должен приступить к работе чиновником на государственной службе. Но служба пока откладывается – юноша едет на Кавказ для лечения. Вернувшись, поселяется в имении родителей – Новоспасском.
Музей-усадьба М. И. Глинки в Новоспасском
Там он с увлечением занимается музыкой: разучивает с оркестром дяди увертюры, симфонии, концерты, перекладывает произведения Керубини, Мегюля, Моцарта, Бетховена, Гайдна для домашнего оркестра. В становлении музыкального образования Глинки это – своеобразная «консерватория».
1824 год. Глинка (ему 20 лет) возвращается в Петербург; продолжает брать уроки на фортепиано и скрипке, пишет первые сочинения; в это же время поступает на службу в канцелярию Совета путей сообщения на должность секретаря. Но ненадолго. Его всё больше и больше увлекает музыка. Расширяется круг петербургских знакомых, в домах которых музицируют, устраивают домашние концерты. Глинка «наполняется» музыкой: знакомится с произведениями европейских и русских композиторов, сам пробует сочинять. Общается с Пушкиным, Грибоедовым, Жуковским.
1825–1834 годы. Этот период считают ранним в творчестве композитора. Создаются романсы, и среди них первый шедевр – «Не искушай» на слова Е.Баратынского. В музыке этого романса есть то, что возвышается над бытовым романсом: тонкое проникновение в образ и настроение стиха, музыкальные интонации словно «вырастают» из поэтических, сливаются с ними, поражают особая одухотворённость, благородство музыки, совершенство музыкальной формы – ясность и высшая простота мелодии и фортепианной партии.
1830 год. На четыре года Глинка уезжает в Италию и Германию. Осуществить план задуманного путешествия было нелегко. Надо было убедить отца, поначалу решительно воспротивившегося поездке. Помогло делу вмешательство авторитетного врача, который нашёл у молодого композитора целую «кадриль болезней» и убедил Ивана Николаевича Глинку в том, что его сыну может помочь только пребывание в тёплом климате. Для Глинки это был необходимый этап становления профессионализма. Он знакомится с Берлиозом, Мендельсоном, Беллини, Доницетти. Изучает европейскую музыку, основы композиции, занимается вокалом и общается с лучшими певцами, пишет романсы, инструментальные ансамбли – секстет для фортепиано и струнных инструментов, «Патетическое трио» для фортепиано, кларнета и фагота. И тем не менее… Глинку тянет в Россию. Под его пальцами в часы импровизации рождаются мелодии, напоминающие родные и любимые русские песни. Это первые наброски ещё неоформившегося творческого замысла, который даже самому Глинке иногда кажется чересчур смелым. Ведь он мечтает о создании русской оперы – русской и по сюжету, и по музыке.
Портрет М. И. Глинки. Худ. И. Репин. 1887
1834 год. Глинка возвращается в Россию.
«Когда я изъявил своё желание приняться за русскую оперу, Жуковский искренне одобрил моё намерение и предложил мне сюжет «Ивана Сусанина». Сцена в лесу глубоко врезалась в моём воображении; я находил в (ней) много оригинального, характерно русского. Жуковский хотел сам писать слова и для пробы сочинил известные стихи:
Ах, не мне, бедному,
Ветру буйному. (Из трио с хором в эпилоге.)
Занятия не позволили мне исполнить своего намерения, и он сдал меня в этом деле на руки барона Розена, усердного литератора из немцев…»
Глинка начинает работать над планом оперы. К сцене в лесу, которую он представлял себе так живо, как будто сам был её очевидцем, прибавляется предшествующая – рисующая мирную жизнь семьи Сусанина и его односельчан. Затем набрасывает и план заключительной сцены – торжества народа, изгнавшего врага из пределов родной земли.
Первое представление оперы «Жизнь за царя» (подчеркнём: сам композитор назвал своё произведение именем Ивана Сусанина, крестьянина-героя) состоялось на сцене Большого театра в Петербурге 27 ноября 1836 года. По этому поводу композитор писал:
«Невозможно описать моих ощущений в тот день…
Первый акт прошёл благополучно, известному трио сильно и дружно аплодировали.
В сцене поляков, начиная от польского до мазурки и финального хора, царствовало глубокое молчание, я пошёл на сцену, сильно огорчённый этим молчанием публики, и Иван Кавос, сын капельмейстера, управляющий оркестром, тщетно уверял меня, что это происходит оттого, что тут действуют поляки; я оставался в недоумении. Появление Воробьёвой рассеяло все мои сомнения в успехе; песнь сироты, дуэт Воробьёва с Петровым, квартет, сцена с поляками C—dur и прочие номера акта прошли с большим успехом. В 4-м акте хористы, игравшие поляков, в конце сцены, происходящей в лесу, напали на Петрова с таким остервенением, что разорвали его рубаху, и он не на шутку должен был от них защищаться.
Великолепный спектакль эпилога, представляющий ликование народа в Кремле, поразил меня самого…
Успех оперы был совершенный, я был в чаду и теперь решительно не помню, что происходило, когда опустили занавес».
О. А. Петров в роли Сусанина. 1836
Да, это была первая русская опера – о русской истории, о русском человеке, о русской жизни, которая встала на уровень лучших европейских опер. Это была новая стихия в искусстве, как писал музыкальный критик В. Одоевский: подвиг, скажем, положа руку на сердце, «не только таланта, но гения!» Уже в начале грандиозной эпической фрески звучит хор народа «Родина моя». Звучит с каким-то особым достоинством, гордостью. И в этом хоре мы слышим и голос автора. Патриотическая идея пронизывает всю оперу, и в каждом из образов она раскрывается по-своему: задушевно и трогательно – в образах крестьянской девушки Антониды и приёмного сына Сусанина Вани, с героическим пафосом – в образе молодого воина Собинина и Вани, с глубокой жизненной мудростью и самоотверженностью – в образе Сусанина.
Ф. И. Шаляпин в роли Сусанина
Музыка второго «польского» акта покоряет блеском, помпезностью. Это восхитительные полонез, краковяк, вальс и мазурка. Но в музыке нет внутренней глубины, серьёзности, значительности. И это главный контраст между музыкальными характеристиками русских и поляков.
Сцена из оперы «Иван Сусанин». Эпилог
1837 год. Замысел и начало работы над оперой «Руслан и Людмила».
Опера создавалась довольно долго – пять лет – и впервые была поставлена, как и «Иван Сусанин», тоже 27 ноября, но 1842 года.
Несмотря на сдержанный приём оперы, многие оценили её истинное значение. Вот что писал В. Одоевский: «На русской музыкальной почве вырос роскошный цветок – он ваша радость, ваша слава. Пусть черви силятся вползти на его стебель и запятнать его, черви спадут на землю, а цветок останется. Берегите его! Он цветок нежный и цветёт лишь один раз в столетие».
В эту пору Глинке тридцать восемь лет. Пора зрелости. И вдруг такая ослепительная музыкальная сказка! Юношеская поэма Пушкина с удивительной искренностью и нежностью, остроумием и блеском воплотилась в музыке. В «Руслане…» причудливо переплетаются Киевская языческая Русь и таинственный Восток. И над всем этим грандиозным былинным музыкальным повествованием веет вечная тема русской сказки – борьба добра со злом и, конечно, любовь, которая преодолевает все преграды.
Красоту и очарование юности композитор воплотил в образе Людмилы. В её ослепительно прекрасной, виртуозной и чрезвычайно сложной вокальной партии можно услышать влияние итальянской оперы.
А. В. Нежданова в роли Людмилы
Но красота юности – в движении, в порыве! Как благороден и мужествен Руслан! Истинно русский герой, богатырь, неотразимый в своей суровости и нежности.
Музыкальный образ зла дан по-сказочному наивно и добродушно. Черномор – во внешнем блеске и напыщенности оркестрового марша; Наина – в суетливо-злобной речитативной вокальной партии, в оркестровых темах с «подпрыгивающим» ритмом; Фарлаф, варяжский витязь – в комической скороговорке басовой партии.
Владимир Федоров в роли Черномора в фильме-сказке «Руслан и Людмила». 1971
1844 год. Последний период в жизни и творчестве Глинки принято считать с этого года. Он уезжает в Париж, где проводит год. Встречается с замечательным французским композитором Берлиозом, который помогает ему организовать концерт. Глинка – первый русский композитор, который познакомил парижскую публику со своими произведениями, написанными о России и для России. Затем два года в Испании. Об этом времени в «Записках» читаем:
«По вечерам собирались у нас соседи, соседки и знакомые, пели, плясали и беседовали. Между знакомыми сын одного тамошнего негоцианта по имени Felix Castilla бойко играл на гитаре, в особенности арагонскую хоту, которую с его вариациями я удержал в памяти и потом в Мадриде… сделал на них пьесу под именем «Capriccio brillante», которое впоследствии, по совету князя Одоевского, назвал “Испанской увертюрой”».
Т. Стрежбецкая. Арагонская хота.
Так появилась симфоническая увертюра «Арагонская хота». В 1848-м, уже в России, Глинка напишет вторую испанскую увертюру «Ночь в Мадриде».
1848 год. Композитор создаёт шедевр симфонической музыки – «Камаринскую». В этой одночастной симфонической фантазии Глинка рисует народную бытовую сценку. Произведение строится на двух народных темах. Первая – протяжная свадебная «Из-за гор, гор высоких», вторая – быстрая плясовая – собственно камаринская. В обеих темах постоянно варьируются, изменяются мелодия, ритм, темп, динамика, фактура, а потому изменяются и характер, образ тем. Они звучат то плавно и спокойно, то задиристо и юмористично, то задумчиво и печально. А звучание симфонического оркестра подчас напоминает звучание народных инструментов – дудок, жалеек, балалаек.
В «Камаринской» Глинка нашёл приём развития народных тем – варьирование, вариации на народные темы. И это чрезвычайно важно для дальнейшего развития русской симфонической музыки. Не случайно спустя много лет Пётр Ильич Чайковский напишет: «Русских симфонических сочинений много. Можно сказать, что имеется настоящая русская симфоническая школа. И что же? Вся она в «Камаринской» подобно тому, как весь дуб в жёлуде! И долго из этого богатого источника будут черпать русские авторы, ибо нужно много времени и много сил, чтобы исчерпать всё его богатство».
В последние девять лет композитор живёт попеременно в Петербурге, Варшаве, Париже, Берлине. Смерть настигла его в Берлине в феврале 1857 года. Вскоре прах был перевезён в Петербург и захоронен на кладбище Александро-Невской Лавры.
Памятник М. Глинке на Театральной площади в Санкт-Петербурге. Авторы проекта Р. Р. Бах и А. Р. Бах. 1906
Ирина Васильевна Кошмина, кандидат педагогических наук, доцент МИОО